香港一夜消失了的奇幻電影 - 《那夜凌晨，我坐上了旺角開往大埔的紅VAN》

坐上了通宵小巴，穿出了獅子山隧道，進入了另一世界，所有生物與汽車都消失了，與外界失去聯絡，這樣的情境真的嚇人，如果是你，會怎樣面對？

陳果執導的港產新片《那夜凌晨，我坐上了旺角開往大埔的紅VAN》（The Midnight After），便是這樣的故事，集驚懍、懸疑、心理、科幻、暴力、幽默於一身，弄出了「香港一夜消失」的疑雲，有人更說電影含有政治隱喻，加上馬航失蹤事件舉世關注，大大增加了故事的吸引性與追看性。

改篇自Pizza的同名網絡小說，故事說凌晨二點幾，一架由旺角開往大埔的公共小巴（即紅Van），穿入獅子山隧道後，所有車輛、居民都神秘消失了，如入無人之境，氣氛詭異。車上十七人滯留在大埔，有乘客無緣無故死亡，最後剩下九人，期間出現神秘的面具人，令他們惶恐。更離奇的是，精通電腦的四眼青年（徐天佑飾演）破解了摩斯密碼，得出「I am trapped」的線索，而金髮青年阿池（黃又南飾演）在家收到女友打來電話，發現竟身處四年後的2018年，引起穿越未來時空的疑雲。他們為求自救，決定根據有關線索，一行九人駕著紅Van，駛往大帽山。

Pizza的小說創作勝在天馬行空，為電影提供了豐富的素材。以故事而言，其實不算新鮮，因為美國電視劇已有不少同類題材，最經典莫過於《The X Files》、《Lost》，但在香港，這種題材卻甚少見於電影之中，《那夜凌晨，我坐上了旺角開往大埔的紅VAN》帶來了前所未有的新鮮感，難得陳果將失控世界的奇想，拍得反斗好玩，好在又沒有脫離現實，反而加強了香港本土實感，除了五光十色的繁華鬧市，也多了市井小人物，說話夾雜粗言穢語，又說得流利，讓觀眾感到親切感。嚴格來說，《那》片枝線太多，無人之城的異域已夠詭異，還要有不知名病毒的侵襲，又有神秘面具人，又有福島輻射疑雲，又有邪惡女鬼，真的目不暇給，幸好故事不算複雜，故弄玄虛但不必動腦筋，只管看下去便行，劇情合理與否並不重要，陳果做到流暢自然，將眾多元素炒埋一碟又絲毫沒有雜亂感。

《那》片的主要場景是茶餐廳，眾人困在餐廳內又不敢外出，每人各懷鬼胎，彼此提防，這班偶爾聚在一起的陌生人，互不認識，但是面對人生困境，與其作繭自困，倒不如集思廣益，共同想辦法突出重圍，因此他們不得不合作，要互相依靠。放眼現在香港社會，其實都有類似局面，2017/18年雙普選目前正在諮詢中，泛民與中央、健制派不咬弦，在政改立場互不讓步，連泛民之間亦出現鬼打鬼的場面，在這樣的困境中，泛民要放下身段，同舟共濟，才能凝聚力量，爭取無篩選的雙普選。電影與現實，竟出奇地相似。有人說，《那》片含有政治隱喻，那是「有則有，無則無」的觀點角度問題，電影提到大家進入了2018年的時空，各人想知道誰人做了特首，然而在這位新特首管治下的香港，一夜之間消失了，就似作出了一個隱晦的暗示，讓觀眾會心微笑。七百萬香港人一眨眼變得只剩下不足十人，已是無政府狀態，那麼，正如戲中任達華所說，他們就是社會，也就是法律，因此金毛青年犯下強姦罪，任達華便煽動各人執行私刑，為他們的「社會」伸張正義，若將這一幕引伸到今天社會，其實很危險，因為當權者發動言論煽動群眾推翻法律制裁，甚至一人說了算數，沒有經過法律嚴格審議，那麼就是人治了，在這個國度下生活的人民是悲慘的。

《那》片是群戲，角色眾多卻又性格鮮明，青年演員黃又南、文詠珊、徐天佑演出不俗，但不及老戲角突出，任達華、惠英紅、林雪佔戲頗重，當中以林雪的小巴司機最惹笑。李璨琛佔戲不多，其吸毒者造型勝在搶鏡。其他角色以Jan Curious較突出，突然唱起David Bowie的名曲《Space Oddity》，無厘頭之餘卻又唱得好聽，令觀眾留下印象，無獨有偶，今年初上映的賓史迪拿《發夢王大歷險》也有此曲。

電影開首，凌晨時分，旺角街頭依然攘來熙往。這簡單序幕已將香港不夜城的特點充分表現出來，順帶一提，片頭的處理很好看，將演員一一介紹出來，這種劇集式的片頭近年已很少見到。紅Van不止是公共交通咁簡單，更是香港人的集體回憶，《那》片不是第一次擔任電影「主角」，但肯定是發揮得最有魔幻狂想的一部，片頭開車往大埔一幕別出心栽，陳果將紅Van拍得像跑車般衝刺，背景快速過帶，將「亡命飛車」的特色處理得甚有漫畫化。這架紅Van似中了魔咒，幾乎每個乘客上車後，都沒有好下場，首先吵架的情侶，中途下車卻在進入獅隧前遭遇車禍身亡，後來下車的四個中大男生亦懷疑遭病毒入侵相繼身亡，勾起了沙士的惡夢回憶，其他乘客受到姦殺、火燒、酷刑致死，下場悲慘，最後只剩下九個生還者，他們命運如何？是生是死，還得看下一集。

其實《那夜凌晨，我坐上了旺角開往大埔的紅VAN》最令人感到好奇之處，在於那個無人的大埔，幾乎整套電影都沒有車輛及路人，感覺似特技效果但又不像，導演真有本事拍出空城來。電影也有一些特技效果，譬如片尾的翻車場面，可惜有些失真，始終及不上荷李活的超級特技。好在電影情節離奇，是港產片近年少見的題材，至少不再局限於警匪及情色的類型。

令人熱血沸騰的棒球電影 - 《KANO》

運動勵志電影，荷李活拍過不少，但華人電影似乎少見，台灣魏德聖新作《KANO》將上世紀1931年台灣嘉義農民子弟所組成的捧球隊遠征日本的歷史搬上大銀幕，三個小時的電影完全沒有冗長感，反而帶領觀眾進入激昂高漲的情緒，熱血沸騰又盪氣迥腸的雄心壯志，真是久違了的感覺。

電影整個故事很豐富，結構也很嚴謹，全劇共分三幕，第一幕是日本教練執教嘉農隊，第二幕是邁向全台比賽，第三幕是遠征日本。這種故事發展模式是運動勵志電影比較常見，也是寂寂無名勇闖冠軍的傳統故事，然而，魏德聖監製編劇與馬志翔導演的《KANO》確實與別不同，而且電影還是真人真事改編，有根有據，不是異想天開的。

劇情說1929年日治時期的台灣嘉義，一所中學（嘉義農林學校）的棒球隊從未贏過一場比賽，老師濱田次箕邀請近藤兵太郎執教。近藤一直渴望能打進日本甲子園參與棒球頂級賽事，無奈人生失意，攜妻帶女遠走台灣，這天在河邊梳洗，見到嘉農學生打棒球，重燃他再進甲子園的渴望。近藤的訓練嚴格，要求學生圍繞嘉義市跑兩圈，同時高喊「甲子園」。一年的訓練後，嘉農隊脫胎換骨，奪下了全台灣棒球比賽的冠軍，打破了長期被台灣北部學校壟斷的局面。再一年後，即1931年，嘉農隊歷史性地擠身進入甲子園參賽，結果以三勝一負飲恨。但是，憑著隊長吳明捷（曹佑寧飾演）的刁鑽發球，以及全隊上下的拼搏精神，成功俘虜了在座觀賽的球迷，喊出了「英雄戰場，天下嘉農」的口號，即使輸了比賽，卻像贏了冠軍，足以向嘉義鄉老交代，衣錦還鄉。

魏德聖今次只監不導，交由馬志翔執導，他原是演員，在《賽德克‧巴萊》一片中擔任配角，今次以36歲之齡執導演筒，難得地將《KANO》拍得流暢爽快，散發青春活力，相信魏德聖有助其一臂之力。電影採用倒敘、順敘手法，還互相穿插交替運用，絲毫沒有混亂之感。最特別的是，電影透過嘉農手下敗將錠者博美，1944年隨軍到了台灣嘉義，尋訪嘉義農林學校的棒球練習場地，再倒敘1929年開始順敘說故事。電影有多場比賽場面，最激昂人心又最精彩的，要數甲子園的比賽，在佐藤直紀的配樂襯托下，確實感染著觀眾的情緒，牽引著全劇節奏。馬志翔將每一場比賽都設計得別具特色，每個鏡頭又不會重複沉悶，就像嘉農晉身甲子園首圈賽事，對決北海道札幌商‎棒球隊，便以投手錠者博美的角度觀察嘉農隊，他有自知之明，深知技不如人，毅然放棄比賽，後來更成為嘉農的頭號粉絲，這種借助第三者的手法使主隊給人更立體及具說服力，也是其他運動勵志電影比較少見。

電影的座右銘是「不要想著贏， 要想不能輸」，誠然，我們人生總是想著要贏，在求學、工作、事業等各個不同階段的範疇裡，處處計較著得失，處處想著要勝人一籌，但是，很多人都不明白，甚至忽略了，在輸與贏之間的過程，才是最寶貴，最值得珍惜。因此，嘉農隊邁向甲子園的奪標夢時，那一段努力奮鬥的過程，才是最動人的，也是人生經驗中最寶貴的。除了比賽，電影描寫教練與球員之間的情誼很感人，嘉農隊每次出賽，無論贏了還是輸了，都先跑往教練跟前哭起來，這情景令人動容，年輕演員演得真切，毫不造作。永瀨正敏也演得好，明明也感動得想流淚，但就是要忍著不動聲色，也要維持教練的尊嚴，對徒弟訓話一番，這是「愛之深，責之切」的表現。

近藤兵太郎是《KANO》的靈魂人物，永瀨正敏被魏德聖與馬志翔選中演出，確實是不二之選，如果沒有他，《KANO》肯定失色。永瀨正敏是小泉今日子的前夫，是日本知名演員，從影已三十年，今次在《KANO》的表現成熟穩健，既然好爸爸好丈夫又是好教練，威嚴之中又流露出慈愛（看他在決賽前夕替球員蓋好被子），惹人好感。曹佑寧等一眾年輕演員，原是棒球運動員，首次拍戲絲毫沒有造作之感，演出自然，真情流露。要數最意外的一角，肯定是大澤隆夫，這位《仁醫》男主角，在《KANO》客串嘉南大圳的工程師。

棒球是台灣國球，也稱野球，自日本殖民統治台灣的五十年間，從日本傳入，並全台流行起來。電影主角嘉農捧球隊本來是默默無聞的，訓練場地也只是爛地一塊，然而，在教練悉心栽培下，卻孕育出一隊優秀的棒球隊，這種拼勁與堅毅，與環境有很密切的關係。嘉義本來是農業產區，土地肥沃，以農產聞名，身為農民子弟，自然有一股克苦耐勞的持久力，相信這就是嘉農隊創造奇蹟的原因。此外，教練亦知人善任，他熟知球員的長處短處，安排擔任球隊不同的角色，近藤在電影裡這樣說：「漢人打擊強，蕃人（即原居民）跑得快，日本人擅長防守」。第三，近藤的訓練方法亦特別，著令球員跑步鍛鍊體能，同時要不斷叫喊「甲子園」，為甚麼呢？電影借濱田老師之口用木瓜鐵釘作解釋，木瓜之所以能又肥又大，全因樹根塞下鐵釘，令該棵木瓜樹能產生危機感，因而促使木瓜生長。同理，時常高喊「甲子園」，無形中使球員潛移默化，視甲子園為終極目標。近藤他有本事令球隊中三方族人融和，組成雞尾酒球隊，發揮到球隊的最大力量，成就了嘉農的光輝，創造了台灣的歷史。反觀今天，種族融合受到考驗，無論中港矛盾，還是台灣兩岸，及藍綠之間，時常發生磨擦，總不能和平共處，兩岸三地更需要一個像近藤教練的政治領袖。

毫無疑問，《KANO》是一部激勵人心的正面電影，能正向啟發觀眾。然而吊詭的是，電影大講日語對白，僅有少量台語（或國語），就連華人之間的溝通也用日語，我還以為在看日本電影，因為主要角色都是日本演員（永瀨正敏、大澤隆夫），只有幕後才是台灣電影製作團隊。不難看出，《KANO》流露了對日本的崇拜與熱愛，從球隊靈魂人物，以至嘉南大圳的建設，甚至左鄰右里都和睦相處，在在強調了日本殖民統治之下，台灣人民生活欣欣向榮，暗示了當今統治者的不濟。《KANO》的本土意識濃厚，電影透過嘉農的成就，來加強國民對國家與民族的認同感與歸屬感，這正正是香港電影一向欠奉的，從英國殖民統治到現在回歸近二十年，絲毫沒有像《KANO》般的自豪，以城市為榮，香港始終是機會主義、經濟掛帥的城市。

上世紀烽煙四起的戰亂年代，的確孕育出不少運動健將，值得改編為電影，除了《KANO》，大陸前數年拍過描述劉長春代表中國參加奧運的運動電影《一個人的奧林匹克》，反觀香港欠缺運動電影，《少林足球》不算，那不是真人真事，《狂舞派》也不算，那是街舞，不是運動。香港的足球歷史在上世紀四五十年代很輝煌，一代球王李惠堂的傳奇故事，應該不下於嘉農隊吧，怎麼香港電影人不考慮呢？

曾幾何時，台灣電影是悶藝的代名詞，但近數年，台灣電影鹹魚翻生，十分賣座，最主要是電影人十分瞭解電影市場的需要，加上靈活多變的題材與手法，成功拍出了《聽說》、《那些年，我們一起追的女孩》、《逆光飛翔》等青春勵志電影，感動了無數觀眾，比較之下，香港電影好像還未找到方向，不是性，就是警，希望將來香港電影也有《KANO》。

究竟，《KANO》算不算華語片呢？

女童性侵案懸疑探案電視劇 - 《迷湖劫》

在香港國際電影節，選看了《迷湖劫 上集/下集》，初時還以為是電影鉅製，要分兩晚播映，後來才知道《迷湖劫》是迷你電視劇集（共六集），一次過在戲院播放，現場大銀幕的觀感與在家看電視不同，視像與音響效果一流。

《迷湖劫》（Top of the Lake）是澳洲、紐西蘭、英國聯合製作的懸疑偵探電視劇集，全片在紐西蘭皇后鎮拍攝，大自然風景怡人，綠野青蔥寧靜，巍峨山勢起伏，湖水浮起薄霧，猶如仙境似的世外桃源，然而美麗的背後，竟蘊藏著黑暗醜惡，還揭露出連串出人意表的秘密，令人不安。

由導演Jane Campion與Garth Davis聯合執導的《迷湖劫》，講述一名12歲少女Tui因姦成孕，專門處理兒童問題的女探員Robin Griffin（Elisabeth Moss飾演）奉召從悉尼趕來調查。後來Tui失蹤，Robin發現Tui父親Matt Mitcham（Peter Mullan飾演）有嫌疑，卻苦無證據，另方面，Robin非常擔心快將臨盆的Tui仍未尋回，處境危險。調查期間，還發生數宗命案，Robin覺得有可疑，追查之下，一些蛛絲馬跡竟引出了多個秘密，卻互有關聯，加上個人悲慘過去，使Robin陷入複雜混亂的危險境地，幾乎不能自拔，幸得前度男友Johnno Mitcham（Thomas M. Wright）相助，才能成功破案。

《迷湖劫》的節奏，就像紐西蘭的寧靜又醉人的湖光山色，十分緩慢，但劇情發展下去，卻充滿險惡，秘密越揭越多，連女主角也牽連其中。失蹤女童Tui被Robin盤問經手人是誰，Tui不肯說出，只寫下「No one」，令事件耐人尋味，後來女童失蹤，「No one」便成為關鍵線索。編劇寫出了引人追看下去的意欲，幾乎每一集都有新的發展，不過，當所有謎底揭開，便會覺得案情巧合得難以置信。失蹤女童Tui肚裡的孩子，最「主要」的經手人是父親Matt，這是畸形亂倫，不過影片沒有交代華裔女童與白人父親是否養父女。Matt是大毒販，與兒子們製造及販賣毒品。另方面，Matt似乎生下了不少私生兒女，Johnno是其一，就連Robin自己也是，這對情侶竟然弄出了同父異母兄妹戀的疑雲。Robin在15歲的時候，慘遭輪姦，因此對Tui的遭遇感同身受，這也解釋到為何她對這案件特別重視。警官上司Al Parker（David Wenham）外表斯文正直，但他與毒販Matt有往來，已令人起疑，在六集裡都未見他有何不妥之處，到了最後半小時，才揭曉他竟然是戀童癖！

《迷湖劫》給人最大的感覺，就是內外不一，美麗背後總有意想不到的醜惡。皇后鎮美麗風景的背後，竟然暗藏毒販製毒工場。警官Parker正直背後，竟然有變態的戀童傾向。Robin鍥而不捨的查案精神，原來源於悲慘的往事。Johnno看似清白，原來留有案底。每一人，每件事，從來不是完美的，總有一絲污點。女導演Jane Campion以特有的女性角度，將探案故事拍出了新鮮感，每個角色都斯斯文文，不會過份暴力血腥，也不像男性偵探片那麼火爆奇情。Jane Campion與Garth Davis的處理稍為慢條斯理，對每個角色的心理刻劃尤見細微，女主角Elisabeth Moss演得好，她揮不掉往年慘痛經歷的陰影，那種痛苦伴隨著她。2014年，Elisabeth分別在Golden Globe Award及Satellite Award，憑《迷湖劫》獲得最佳女主角獎。她在劇中的造型打扮，使我想起了Gillian Anderson，你們記得是誰嗎？《X檔案》女主角是也，劇中名字叫Dana Scully。

一般來說，發生女童性侵案件，應有相關的兒童保護組織跟進，但整齣戲最莫名其妙，就是婦女庇謢組織，似秘密教派，以數個貨櫃在湖邊搭建，成為婦女尋求庇護的樂園。這個庇護所的話事人GJ（Holly Hunter飾演）有點神秘，好像擁有預知能力般，總能對每一個到訪的客人指點迷津，整齣劇最令人摸不著頭腦的，非她莫屬。最後她拖著行李匣，越過金黃色田野離開，也令人摸不著頭腦，故事說她要往北歐，不見任何車子接載，難道步行往機場？她的一頭花白長髮，十分搶眼。

《迷湖劫》令觀眾留下最深刻印象的，相信就是紐西蘭的大自然風光，劇集從不吝嗇地大量展示，女主角的房子也中產優雅，身處石屎森林的香港人，又怎會不羨慕呢？

以巴政治的臥底電影 - 《聖戰無間行》

「無間道」及線人題材，常見於中外警匪片，港產片尤其拍得濫了，但若放在政治及國家之間恩怨情仇的層面上，線人故事便顯得驚心動魄，夾在兩個政權之間，關係更形複雜、糾纏不清，香港國際電影節選映的《聖戰無間行》就是這樣的電影。

《聖戰無間行》是2013年製作的以色列電影，電影英文名稱是《Bethlehem》，即伯利恆，是巴勒斯坦西岸地區的城市，與以色列耶路撒冷相距僅10公里，也是以色列與巴勒斯坦時常爆發衝突的其中一座城市，局勢緊張混亂。主角Sanfur（Shadi Mar’i飾演）是17歲巴勒斯坦少年，兩年以來替以色列情報機構擔任線人，專門提供巴勒斯坦的情報，他與機構探員Razi（Tsahi Halevi飾演）的關係非常密切，情同父子。某天，Razi與同僚執行任務，擊斃了恐怖分子Ibrahim（Hisham Suliman飾演），原來他是Sanfur的親兄長。這次以色列任務觸發了巴勒斯坦人的怒火，游擊隊頭目Badawi（Hitham Omari飾演）決定要報復，Sanfur有感被Razi出賣，憤而向Badawi提出參與報復行動。Badawi發現Sanfur暗中替Razi辦事，以Sanfur的父親要脅，迫他去殺死Razi，他感到左右為難，到了耶路撒冷約見Razi，求對方帶他去以色列，但反被勸返回巴勒斯坦，Sanfur忍無可忍，扳動手槍射殺Razi。

以巴兩國的紛爭無日無之，生活在這混亂國度的人民，只能在惶恐中度日，從電影可看到幾乎每一個巴勒斯坦男人都持著機動長槍傍身，隨時響應反抗軍的號召，抵抗他們的敵人。Sanfur的處境，正正反映巴勒斯坦人的兩難局面，誰不希望擁有和平的生活呢？基於歷史文化宗教的因素，以巴兩國一直以來都無法和平共存，人民始終是受難者、兩國衝突下的犧牲品。Sanfur在這環境下，往往被動地受他人擺佈，根本無法掌握自己命運，作出人生的抉擇。他的哥哥是恐怖分子，也是以色列的通輯目標，連累自己受盡朋輩的無情嘲笑，在不堪受激之下竟然玩上「擋子彈」的膽量試探遊戲，由此可見Sanfur優柔寡斷的個性。若非受到Razi的保護，擔任線人，恐怕他早已死於非命。

《聖戰無間行》在2013年威尼斯影展中榮獲最佳電影獎項，在以色列本土也囊括了最佳電影、最佳導演、最佳劇本等五個大獎。電影上半段略嫌沉悶，隨著恐佈分子被狙擊，才開始進入戲肉，到後來Sanfur處於人生交叉點之下，才是整齣戲的高潮。我認為以色列導演Yuval Adler在電影處理得最好的是以色列情報員與巴勒斯坦少年之間的友誼，Razi處處保護這少年，維護他的尊嚴，使其不致被同僚欺侮，也因為這少年，使Razi不時與上司吵嘴。兩人之間，全靠V仔（好像Motorola牌子）保持聯繫，V仔可說是扮演了重要的角色。在智能手機泛濫的年代裡，還能看到V仔的傳統電話，真有說不出的懷念，也反映以巴兩國的落後（電影似沒有交代年代背景）。雖然Razi待Sanfur如己出，連自己親兒也少見，但這個關係是危險，並不是純真友誼，雙方都為了國家利益而交易，也要付出沉重代價，Sanfur間接害死了親兄，Razi也賠上自己的生命。

《聖戰無間行》故事或許不是全部真實，卻有助我們認識新聞以外的以巴世界。耶穌向來強調「彼此相愛」，但諷刺的是，在這個耶穌誕生之地，猶大人竟然互相殘殺多年，導致以巴衝突至今仍然和解無望。

父子破冰喜劇 - 《脫皮爸爸》

初聽「脫皮爸爸」一字，再加上海報男主角的花臉，還以為這是指「頑皮反斗爸爸」，這即是說，我以為《脫皮爸爸》是一齣反斗鬼馬的胡鬧喜劇，但原來，《脫皮爸爸》是一齣溫情感人的家庭倫理喜劇。所謂「脫皮」，原來真的是「金蟬脫殼」與「破繭而出」的昆蟲變態過程。

故事主人翁鈴木卓也是「三失」男人 - 失業、失婚、失母，自母親喪禮後，他要照顧患上腦退化症（即認知障礙症、老人痴呆症）的老父鈴木卓二朗，兩人父子關係一直欠佳。某一晚，父親突然發生了「脫皮」的奇異過程，返老還童，每一天脫皮都年輕十歲，由八十歲老頭子，脫皮變得六十歲，五十歲，四十歲，三十歲，到最後二十歲。在這個「脫皮」過程中，兒子有機會重新認識父親，由代溝到了解，最終令頹廢的兒子振作起來，不再吊兒朗當，逃避現實，還找到工作，向自己目標進發。

二度載譽重演的《脫皮爸爸》（Shed Skin），保留編劇佃典彥的原著精神，沒有將劇情作本土化的改編。卓二郎與卓也兩父子的關係冷淡，與日本傳統父權社會不無關係，一般男性往往含蓄，不善表達自己對家人的愛，只透過行動來間接表達自己的關懷。這情況不限日本，就算香港以至世界各地的男性，都是如此，這是男性天生的特質，不同女性善於表達感情。鈴木兩父子的代溝嚴重，雖然流著同一血脈，但卻形同陌路。兩人都鍾愛飛機，但對飛機卻有迥然不同感受，爸爸年輕時服過兵股，對飛機非常有感情，因此起飛對他本人有正面的人生態度，但兒子卻相反，因為遭遇「三失」的撩倒挫折，對人生存有相當負面悲觀的情緒，所以飛機對他而言，是墮落。因此，父親要借助「脫皮」的神奇魔法才能挽救兒子，使其得到重生，擺脫「墜落男」的枷鎖，啟發自己的人生意義，重新生活。

父子之間的代溝，源於彼此不了解，古今中外描述父子情的電視電影屢見不鮮，1993年港產電影《新難兄難弟》，梁朝偉被捲進時空返回五十年代，遇見年輕老父梁家輝，便讓兒子重新認識父親，成功破冰。《脫皮爸爸》卻與眾不同，日本編劇佃典彥構思出「脫皮」的騎呢變形，讓兒子重新認識他的父親，與六個不同階段的父親對話，竟能尋回了兩人之間的共同回憶與連繫。這種劇情安排雖然誇張失實，但在舞台上卻又能起到聊齋式的魔幻效果，兒子不止重逢六個爸爸，年輕媽媽還也神奇現身，煮了一鍋冷烏冬，讓兒子與六個爸爸大快朵頤，他們不時吵吵鬧鬧，好像七兄弟，其實他們是兩父子呢。吃飽後還一起大唱日文主題曲《昂首前行》，溫馨感人，這一幕不止是全劇高潮，也是最好看的。

六個不同年齡層的爸爸，分由六位演員飾演，每個年齡層的爸爸都各有特色（可不能說各有性格，因為根本是同一人），八十歲爸爸的腦退化症相信最受觀眾共鳴，因為長者患上腦退化症非常普遍，且有增加趨勢。周志輝將腦退化症徵狀演得似模似樣，最好笑是吃香蕉要點蘸豉油。孫力民是六十歲爸爸，當時太太還在生，兒子又未撩倒，對父親而言卻是最幸福的階段。高翰文是五十歲爸爸，正值更年期，與兒子之間的關係開始出現變化。潘燦良是四十歲爸爸，正值人生壯年，性格也比較吊兒郎當，與媳婦及兒子情婦相處不錯，甚至能開解她們，最好笑他所脫的軀殼遺留在公廁，需要兒子去到處尋回。由於兩人年紀接近，反而容易溝通到，使兒子對父親的想法更能體會。另一段有趣的地方，六個爸爸圍坐吃烏冬，潘燦良猛落五味粉，不斷添加，但高翰文責罵他不要再吃，這是因為「年輕不惜身，老來周身病」，令人忍俊不禁。林沛濂是三十歲爸爸，個性較為風流，即使有太太，還夠膽與喪禮服務公司的女職員偷情。凌文龍是二十歲爸爸，剛服完兵役，與太太情投意合，對國家有濃厚歸屬感，性格也忠厚老實。

六位演員扮演六個爸爸，當年長的脫皮後，便要躺下扮「軀殼」，那一動不動的「演出」，很考耐性，其中高翰文更高難度，手腳扭曲躺下「等」一幕，約二十分鐘，如同無知覺一般。要令觀眾拍掌叫好，就是扮演兒子的辛偉強，開首講述他外出跑步回家，要吃五隻生雞蛋加牛奶補充體力，到了劇尾，又要再吃五隻生雞蛋加牛奶，即一個演出已生吞十隻生雞蛋，若十場計，即共吞一百隻生雞蛋？不可能吧，我覺得這「雞蛋」並不是真雞蛋，應是橙汁之類的代替品，你們認為呢？這一頭一尾，是反映鈴木卓也人生轉變的對比，首尾呼應。最後一提，凌文龍的赤裸演出，幾乎挑戰三級尺度。

六個爸爸的戲份平均，在兒子潦倒之際穿插，到最後大集合，絲毫沒有混亂之感，導演司徒慧焯做到豐富感人，平衡有序，他曾憑此劇獲得最佳導演獎（喜劇╱鬧劇）獎。《脫皮爸爸》的舞台佈景設計雖然不是富麗堂皇，但卻能表現出日本平民房子的裝潢，廚房廁所房間客廳一目了然，最後舞台從中分開，露出零式戰機，這個設計與鈴木兩父子對飛機的愛好吻合，難怪上一次首演時，獲得第二十一屆香港舞台劇最佳舞台設計。

《脫皮爸爸》的父子情懷，令人要珍惜，以免「子欲養而親不在」，後悔莫及。日文主題曲的歌詞完全表達到《脫皮爸爸》的精神，歌詞節錄如下：

將幸福放在雲端
將幸福放在天際
昂首向前行
努力不讓淚水掉下來

家家都有難唸的經 - 《一個葬禮四個失禮》

《一個葬禮四個失禮》這個片名，跟美國電影原名《August: Osage County》不同，很明顯來自英國經典名片《四個婚禮一個葬禮》的「借用」，單看片名，還以為是黑色喜劇，但原來是家庭群戲，一家人吵吵鬧鬧營造了每個家庭成員之間的衝突張力，不是和諧開心的電影。

《一個葬禮四個失禮》改編自Tracy Letts創作的同名舞台劇，全片以Meryl Streep及Julia Roberts的對手戲為亮點，故事發生在美國俄克拉何馬州一個鄉鎮，老婦Violet（Meryl Streep飾演）的丈夫Beverly失蹤，及後被發現溺斃，長女Barbara（Julia Roberts飾演）一家、二女、幼女、Violet妹妹一家趕來奔喪。一家人難得聚首一起，共享解穢酒晚餐，但Violet卻發瘋似的，與家人吵架，長女按捺不住，與母親打起上來。原來Violet患上口腔癌，長期服用大量抗癌藥物，使原本性格已尖酸刻薄的性格，更為乞人憎，長女Barbara 的性格也是火爆，兩母女相處簡直是火星撞地球。Barbara自己家庭也不愉快，丈夫Bill（Ewan McGregor飾演）戀上小三，導致婚姻破裂，彼此分居。女兒14歲，性格反叛不羈，更勾搭未來姨丈，Barbara憤而掌摑女兒，丈夫埋怨妻子，即帶女兒離開。

Violet的二女Ivy戀上三度離婚商人，因未婚夫勾搭姊姊的女兒遭印弟安女傭撞破，兩人一怒之下離開。幼女Karen與表弟Little Charles（Benedict Cumberbatch飾演）相戀，原來二人竟是親姊弟，是爸爸搭上小姨所生。Karen受到打擊，也傷心離開。連Barbara也受不住母親的臭脾氣，行李也不執拾便離開。難得一家人聚首，最終不歡而散，只剩下印第安女傭Johnna陪伴在側。

一家本有難念的經，每人的性格與際遇不同，每人都有自己的困難與困擾，家之所以成家，就是每位家庭成員都能團結一致，互相扶持，彼此關懷，彼此相愛，而不是事無大小小都吵吵鬧鬧，弄到雞犬不寧。看Weston一家人，關係弄得很僵，一家之主Beverly酗酒，太太Violet藥物上癮，長女Barbara性格率直，與丈夫Bill的關係若即若離，二女Ivy傻大姐性格，幼女Karen斯文討好，但有誰想到她竟與親弟Little Charles談戀愛？這一家人各有各心事，卻又不能彼此坦誠傾訴，各人之間隱藏著無形的引線，任何一件小事均足以引爆，形成連串的衝突，影響彼此的感情。因此，當Violet與三個女兒夏夜長談，把酒談心，是四母女難得一次的感情交流，可惜太短暫，翌日又故態復萌。

Tracy Letts創作的家庭群戲《一個葬禮四個失禮》與法國莫里哀的《豆泥戰爭》有些相似，都是無風起浪的吵架戲，將人性的陰暗面都徹底顯露出來，讓觀眾反思人際關係的溝通與撲熄衝突的處理。平實而論，John Wells執導的《一個葬禮四個失禮》，似一齣婆媽迷你電視劇多過電影，因改篇自同名舞台劇，文戲甚多，略嫌沉悶，若放在舞台劇，反而較能使各場景集中起來，形成緊湊的戲劇效果。最吸引觀眾的，無疑是兩大影后鬥戲，當中以Meryl Streep比較好劇，她的角色因病而啪丸成癮，瘋瘋癲癲卻又頭腦清醒，牙尖嘴利得勢不曉人，這種乞人憎的性格被她演得活靈活現，她失落奧斯卡影后始終可惜。

《一個葬禮四個失禮》不算大製作，可能George Clooney有份參與監製，邀得不少明星參與，除了兩大影后，Ewan McGregor是久違了，近年已鮮見他的電影，他今次刻意留鬍子，讓42歲的他看起來年長一點，與Julia Roberts合演夫妻，始終不算登對。另一個較有名氣的是Benedict Cumberbatch，早年在電視《新福爾摩斯》已為人注意，電影演出也不少，今次扮演性格害羞的表弟，倒也惹人好感，本來他跟表姊在這個家比較「正常」，誰料兩人竟然是同父異母的姊弟關係，這個情節對港人來說是熟口熟面，港產電視電影常有這爛橋段，金庸小說《天龍八部》段譽與眾女子的「兄妹」疑雲更是經典。

《一個葬禮四個失禮》最適宜一家人去看，從中自我反思家人之間相處的態度與關係，若像Weston一家這樣吵吵鬧鬧，發生困難卻不尋求諒解及辦法，這個家怎能維持下去？遲早肯定會像Weston一家各散東西！

揭露華爾街陰暗面 - 《華爾街狼人》

我對華爾街大鱷那副貪得無厭的嘴臉，一向憎厭，靠小市民的血汗淺來填滿投資公司高層的荷包，即使「金融海嘯」發生後，他們的紅利依然高達百萬美元，連美國總統年薪也及不上。看過馬田史高西斯及里安納度狄卡比奧聯合監製的《華爾街狼人》之後，更對華爾街無甚好感。不過，華爾街不止是最重要的美國經濟命脈，更牽引著全球經濟動向，其重要性真的沒有其他國家金融市場能夠並駕齊驅。

《華爾街狼人》（The Wolf of Wall Street）不是雅俗共賞的奧斯卡金像獎候選電影，充斥著大量祼女、性愛、毒品的場面，非常荒淫無度。劇情主要圍繞股壇傳奇人物Jordan Belfort（Leonardo DiCaprio飾演）在華爾街的發跡史，他初出茅蘆後，受到上司Mark Hanna（Matthew McConaughey飾演）的賞識與教導，使他平步青雲，由接線生升到股票經紀，然而不幸地遇上股災，失去工作。Jordan得到太太鼓勵，往長島一所股票投資公司任職，他把華爾街工作的經驗派上用場，憑他三寸不爆之舌，成功說服客人投資新股與仙股。後來Jordan認識了Donnie Azoff（Jonah Hill 飾演），與他合組投資公司，由小規模發展到大規模，還返回華爾街，成為著名的投資公司，而Jordan的股票推銷手段又狠又辣，甚至為達目的而不擇手段，被冠以「華爾街狼人」的稱號。Jordan年紀輕輕已賺到盤滿砵滿，花不完的錢使他任意揮霍，沉迷在荒淫無度的性愛，公然在辦公室與下屬搞起性派對，也旁若無人地狂吸可卡因與啪丸仔，自甘墮落。飽暖思淫慾，Jordan生活富有之後，竟背著髮妻鬼混，勾搭小三。當這位小三成為正印之後，Jordan沒有修心養性，反而變本加厲，甚至與小三的六旬阿姨搭上了。由於Jordan太招搖，又用了洗黑錢等不正當手段，結果「吸引」到FBI的注意，最終被捕入獄。

貪，是人性醜惡的其中一個根源，貪念驟生，無厭下去，越易迷失，Jordan的經歷，正是無止境的貪念，泥足深陷，最終陷入不能自拔的惡果，換來的是妻離子散和身陷囹圄的代價。《華爾街狼人》以Jordan的真人真事改編，導演Martin Scorsese拍得淺白通俗，老實說，性愛與吸毒的場面多得使整齣電影顯得更粗俗，雖然可以解讀導演此舉的目的，是將Jordan的荒唐生活赤裸裸地呈現給觀眾，從金錢易賺之後帶來的壓力，導致精神上的空虛感，反思人生如此虛度光陰是否值得，相信有些人真的會羨慕Jordan的豪華生活，但是金錢並不能滿足自己的空虛心靈，何況Jordan是靠「損人利己」來達到自私目的，當金錢來得容易的時候，人便不會珍惜賺錢的辛苦，反而自暴自棄，因此，Jordan的下場是值得借鑑，也要警惕金錢反過來操控人性的危險。

Martin Scorsese年過七十，執導的《華爾街狼人》一點也不老，相反顯得很有活力。他採用Direct Cut，使Jordan的故事節奏發展得更為爽快，然而，他將電影剪成三個小時，便顯得冗長了，有些段落其實可以省減的，譬如主角危險駕駛那一幕便是。導演也採用了比較黑色幽默的手法說故事，也大量加插倒敘鏡頭，舉一例，主角Leonardo DiCaprio要避開FBI的偷聽，特意前往距家二公里外的俱樂部借用公眾電話，由於事前吃了數顆藥效較遲才發作的丸仔，偏偏在公眾電話接聽的要緊關頭的時候才發揮藥效，也因服用過量，導致腦麻痺，他趕緊駕車「緩慢地平安返家」，到了翌日，警察上門拘捕他，因他涉嫌危險駕駛，跟著鏡頭一轉，他駕車如何「緩慢地平安返家」，那是藥物影響他的意識，令他以為平安駕駛，現實卻是橫衝直撞，險過剃頭，這一段的幽默，拍出了啪丸仔的嚴重後果，含有警戒意義，但正如前述，這一幕有些多餘，可有可無。

至於Leonardo DiCaprio的演出，無異是全片的亮點，幾乎是個人表演，沒有他擔綱的話，《華爾街狼人》肯定失色得多。影片有趣之處，就是配上大量Leonardo的自白與旁白，頗為抵死詼諧，不過他扮演蠶食股民血汗錢的華爾街大鱷，總算似模似樣，但不夠陰險，或許受限於他的外型吧。由於「華爾街狼人」是一個浮誇奢侈的人，主角自然用上浮誇的演繹，雖然算不上過火，但也未算他從影以來最佳演出。Leonardo DiCaprio演得很落力，還不惜在鏡頭前赤祼，當與《騙海豪情》的Christian Bale相比，Leonardo便算不上突出了。

肥仔配角Jonah Hill比較生鬼，生吞小金魚也不知真假，相當嚇人。這個角色並不討好，他扮演主角的生意拍檔，但卻是一名損友，若非他給主角啪丸仔，主角也不會從此染上毒癮。Matthew McConaughey出場不多，反而他傳授主角的「入行三招」，則十分抵死，看主角十分受落，這已暗示了「三招」不止為主角在華爾街平步青雲，也間接地為主角日後「滿盤皆落索」的悲慘下場埋下了伏筆。Matthew在《華爾街狼人》的演出不算特別，反而他在另一奧斯卡候選電影《續命英雄》扮演愛滋病人，有更大發揮，還奪得影帝獎呢。另一個比較易看漏眼的是法國黑白默片《星光夢裡人》影帝Jean Dujardin，他扮演瑞士銀行經理，受託管理主角的大量「洗黑錢」存款。Jean表情嚴肅，但卻有喜劇感，當主角存款被凍結後，他開心得很風騷，美女還送上門來，同一時間，Leonardo為了取回存在瑞士銀行的存款，竟不理太太阿姨之死訊，不惜挺而走險在怒海中與惡劣風浪搏鬥，最終翻艇遇難，雖然執回命仔，但他的落難窘態與Jean的意氣風發，構成悲與喜的大對比。《華爾街狼人》還有很多演員大有來頭，但我不認識，因此這裡不談了。

《華爾街狼人》的世界充斥著爾虞我詐、自私自利、勾心鬥角的險暗面，一切以金錢掛帥，人在江湖，肯定身不由己。數年前雷曼風波，華爾街股票經紀的大鱷形象已大大插水，人人敬而遠之，就算「佔領華爾街」示威都未能為華爾街畸形生態糾正。風暴過後，華爾街依然牽動著全球金融經濟命脈。

騙人騙己騙感情 - 《騙海豪情》

大衛奧羅素（David O. Russell）執導的電影我未曾看過，去年頭上映的《失戀自作業》也未看過，該片使女主角珍妮花羅倫斯成為奧斯卡歷來第二年輕影后。她主演《饑餓遊戲》系列很賣座，我也未看過，因此她在《騙海豪情》的出現，我認不出她，只覺得她角色比較「癲癲地」，很搶鏡。

《騙海豪情》是否好看，我認為視乎觀眾口味，這齣電影美國色彩濃厚，口水多過茶，故事結構亦有點鬆散，開首介紹基斯頓比爾與愛美雅當絲出場，採用倒敘方式交代他倆背景很特別，有影評人說借用馬田史高西斯早年作品的處理手法，我未看過因此也無從比較。

《騙海豪情》標榜為喜劇，但我看不出任何喜劇元素，或者該片挾著奧斯卡10項提名的名牌效應，的確吸引到觀眾入場。全片離不開「騙」字，幾乎每個角色都有「騙性」，影片一開始，是男主角在整理頭髮，他本是禿頭，利用後半頭顱的長髮來遮掩前半頭顱的禿頭，還要姿整地用膠水黏好，這一幕已為全片的「騙」揭開了序幕。女主角的騙更高超，竟能模仿英式口音，連FBI幹探也被騙倒。其實FBI幹探自己也要靠騙來捉拿受賄疑犯，就連市長與主角太太都在騙，前者涉貪，後者在欺騙自己的感情，因此我對《騙海豪情》的觀感是「麻麻地」，不知道幾時真幾時假。

《騙海豪情》（American Hustle）改篇自美國七十年代末發生的阿拉伯騙局，Irving Rosenfeld（Christian Bale飾演）是一位職業騙徒，與Sydney Prosser（Amy Adams飾演）邂逅後，拍檔行騙，騙得不少錢財。他們上得山多終遇虎，被FBI幹探Richie DiMaso（Bradley Cooper飾演）捉個正著。但Richie並無將他們繩之於法，反而與他們合作，利用他們精湛的騙術，佈局緝拿貪官污吏，混入新澤西州市長Carmine Polito（Jeremy Renner飾演）的圈子，蒐集國會議員的貪污受賄犯罪證據。然而Irving與Sydney的戀情卻因Irving的髮妻Rosalyn Rosenfeld（Jennifer Lawrence 飾演）而破裂，Rosalyn亦差點搞垮了Irving等三人對市長搜證的部署，幾乎失敗收場。

正如前述，《騙海豪情》口水多過茶，幾乎跟不上戲情節奏與發展，再者，對該戲的故事背景未掌握清楚，亦會影響追看下去的意欲。故事結構雖然有些鬆散，但結局卻出人意表，原本是「甕中捉鱉」的佈局，最後弄翻了如意算盤，最大輸家是FBI。Irving知道市長涉貪的目的都是為了城市建設（當比照內地貪污，這個美國市長相對高尚得多了），良心發現，主動和盤托出真相，可見主角騙徒性格並不壞。因此，每個角色有「騙性」，但本性不壞，他們為了生存，別無選擇地行騙。整齣影片裡，沒有一個是大奸大惡的角色，就連羅拔迪尼路（Robert De Niro飾演）客串意裔梟雄，也沒有惡相，不過他的出場雖然只得幾分鐘，卻頗有「戲勢」，連基斯頓比爾等人差點被識穿，導演安排的那個冒充「阿拉伯酋長」也真會開玩笑。羅拔迪尼路的客串與《發夢王大歷險》的辛潘都有異同功之妙，就是他們都是老戲骨，出場僅數分鐘已有壓場的戲味。

「蝙蝠俠」基斯頓比爾今次不惜犧牲色相，增磅演出，昔日雄糾糾的身型，卻在《騙海豪情》變了禿頭大肥佬，更不下兩次祼露他的「成果」。今次形象可說是180度大變化，這樣的一個禿頭肥佬，卻深得女主角的垂青，套用她的解釋，他「有股氣場，和他的自信，很吸引」她，堪稱奇事也。女主角愛美雅當絲樣子漂亮，但表情卻很苦，好像她的人生從來不愜意，尤其她的「三面」（即名媛、英式口音婦人、美式口音的自己）更是真假難分。她在戲中的性感衣著也是讓觀眾聚焦的，幾乎每個場合都要酥胸半露，大開中門，難道這是行騙的技倆，讓水魚自願上釣？

無疑地，畢列谷巴與珍妮花羅倫斯的演出更為突出注目，畢列谷巴行事作風乖張，為達目的真可以不擇手段。珍妮花羅倫斯雖淪為配角，但不乏令人難忘的演出，像其中一幕她一邊大唱Paul McCartney的《Live and let die》一邊做家務，已令人拍案叫絕，這一幕戲就是讓她宣洩對丈夫的不滿。

《騙海豪情》的故事，與2002年上畫的《捉智雙雄》類似，都是FBI與騙徒合作偵案，來換取騙徒免獄自由。無獨有偶，與《騙》片同期上畫的，還有馬田史高西斯執導、里安勒度迪卡比奧主演的《華爾街狼人》，又是講行騙的電影。有趣的是，這三齣電影的時代背景分別是六十年代（捉智雙雄）、七十年代（騙海豪情）、八十年代（華爾街狼人），足可構成了美國「行騙案」的歷史，2008年發生的雷曼風暴，更是史上最嚴重、為禍甚廣的「騙案」呢。

宮崎駿的收山作 - 《風起了》

宮崎駿宣稱退休的收山作《風起了》，沒有過去作品的魔幻狂想，也沒有天馬行空，更沒有童真歡樂，留下的卻是令人感到唏噓的回憶，對飛行夢想的堅持，以及愛人離去的傷感。

《風起了》改篇自堀辰雄的自傳式小說，記敘零式戰機設計師堀越二郎的生平事跡，這是宮崎駿的突破，更有濃厚的歷史背景，是過往作品中少見。劇情說上世紀20年代，堀越二郎夢想設計媲美德國的日本國產飛機，大學畢業後加入三菱航空，還派往德國與歐洲觀摩外國航空技術。他邂逅了一位漂亮女孩，可是她身患絕症，但堀越二郎依然娶她為妻。經過多次失敗，堀越二郎終於成功研製出零式戰機。

相比過去名作如《風之谷》、《天空之城》、《千與千尋》，今次《風起了》顯得相當沉重，儘管宮崎駿已輕描淡寫，但仍擺脫不了歷史的包袱。電影重現了關東大地震、大蕭條的歷史，片中的報紙標題亦提及「上海事變」，即是「一二八事變」，這場1932年在上海爆發的衝突，也是揭開日本侵華歷史的序幕。眾所周知，宮崎駿主張反戰的，從《風之谷》、《天空之城》、《飛天紅豬俠》、《哈爾移動城堡》中，不時透露出反戰主張，但《風起了》這方面的意識便顯得曖昧，因為零式戰機在日本侵略歷史上，佔有十分重要位置，名副其實是殺人機器。

宮崎駿只聚焦在堀越二郎的前半生，故事節奏雖然平淡，但漂亮清新的風景畫面，配上久石讓的音樂，給人一種平靜心靈的安撫感覺。主角堀越二郎與太太菜穗子的愛情，平淡如水，他們的初遇、重逢、相戀、結婚，就像電影裡的「風」一樣，一切都是那麼自然。菜穗子為了撫平對愛郎的思念，竟不顧自己健康，也要拖著病體千里迢迢返回他身邊。菜穗子不是傳統日本女性，她敢於追求自己愛情，她對愛情的執著，是治療自己不癒之症的最佳止痛藥，也是堀越二郎夢想事業上的最大動力。《風起了》與宮崎駿以往作品的愛情觀並無分別，男女之間的愛情是那麼完美，那麼真摰，即使菜穗子的離開，像微風般輕輕吹過了，沒有離別的傷感，這是宮崎駿的一貫手法，貫徹其真善美的愛情觀。

以發明家故事為主幹的電影，通常會講述他的發明如何造福人類或者震驚世界，但《風起了》卻不同了，只講到堀越二郎成功研發零式戰機後便結束整個故事。宮崎駿意識到《風起了》題材具敏感性，在他的飛行熱愛與反戰思想之間，作出了一個平衡，全片刻意淡化歷史傷痕，省略戰爭烽火連天的大場面，不過仍然隱約感到風起雲湧的壓迫感。在芸芸3D熱潮下，宮崎駿的動畫仍維持2D，實屬難得，而且，畫功之精細絕不下於仿真度高的3D動畫技術，也給人一種久違了的清新感覺。最特別的是關東大地震的設計，用上了略帶誇張、類似皮影戲的表達手法，將大地震的破壞性呈現出來，加上震後災民逃生，烏天黑地的人間煉獄情景，具有震撼性。

故事鋪排方面，為免氣氛悶人，宮崎駿特意將時空縮窄拉近，令故事更簡潔，也因為時空縮窄拉近得有些急，一轉眼已由少年變青年，再眨眼已由邂逅轉結婚。好在宮崎駿的功力深厚，即使拉近時空距離，節奏依然保持緩慢，給人慢條斯理的感覺。宮崎駿的電影一向不乏飛機翱翔天際、穿越雲間的精彩場面，飛機在《風起了》更佔有相當重要的位置，甚至很仔細地解釋飛機結構，給觀眾上了一堂「飛機結構原理」的課。或許，《風起了》是有歷史背景的動畫，飛行場面要接近現實，不能太誇張，所以視覺刺激性也及不上《風之谷》、《天空之城》。宮崎駿電影例必有魔幻場面，《風起了》也不例外，堀越二郎便不時與意大利飛機設計師卡普羅尼在夢中見面，彼此建立出亦師亦友的情誼，卡普羅尼不斷鼓勵堀越二郎，尊下了他成功研發零式戰機的基礎。

從《風之谷》到《風起了》的三十年間，宮崎駿直接執導的動畫電影寥寥可數，每隔四五年才有一部新作，名副其實慢功出細貨，惟他的每一套電影都如此發人深省，令人細味電影的餘韻。宮崎駿的動畫，陪著我長大，《風起了》可能是最後一部動畫電影，頓感惘然若失，依依不捨。

法國同志愛情新經典 - 《接近無限溫暖的藍》

愛情故事之所以刻骨銘心，從情竇初開、拍拖相戀、纏綿性愛、熱戀冷卻、傷心分手、別後重逢，到孤苦伶仃，這種經典愛情故事的發展路線，往往如此蕩氣迴腸，令觀眾留下情緒難以平伏，勾起了解動心靈的浪漫回憶，就算事隔多年，觀眾依然會記得《人鬼情未了》、《甜蜜蜜》等經典。

若愛情元素不變，僅將故事角色稍改一下，變為女性與女性的感情線，又會如何？法國電影《接近無限溫暖的藍》，便描寫兩個女同志對愛情的執著與堅貞，一點也不下於男女之愛。

剛在康城影展榮獲金棕櫚獎的《接近無限溫暖的藍》（英名：Blue is the Warmest Colour，法名：La vie d’Adèle : chapitre 1 2），劇情講述少女Adèle（Adèle Exarchopoulos飾演）是一名高中二年級學生，情竇初開，與一名高中三年級男生邂逅。但某一天在街上過馬路時，卻被一個染了一頭藍髮的女大學生Emma（Léa Seydoux飾演）深深吸引著，不能自拔，不斷在心裡泛起陣陣漣漪，她開始懷疑自己的性向。Adèle與男友歡好後，完全得不到性愛快感，她始終忘不了Emma。她進入基吧，找到Emma，並與她交朋友，後來更發展成為戀人。然而，Adèle與Emma在性向態度上、價值觀念、工作上始終不同，兩人當初的激情，慢慢失去了新鮮感，漸漸流於平淡，最終分手收場。

由Abdellatif Kechiche導演的《接近無限溫暖的藍》，片長三小時，共分三個段落，前段是Adèle與Emma的邂逅，中段是熱戀，尾段是分手。導演將Adèle發現自己性向的取態，有相當細膩的描寫，幾乎每一個鏡頭，都是臉部大特寫，很深刻地刻劃Adèle與Emma之間由濃轉淡的感情變化。Adèle邂逅Emma，活現出少女情懷總是詩的浪漫遐想，當她看著藍髮Emma，躍躍欲試又欲拒還迎的神態，Adèle Exarchopoulos演得自然又恰到好處。兩位女主角的感情戲，含蓄卻又爽快，情感真切動人，毫不造作，演得絲絲入扣。

電影最矚目的，莫過於片中五段性愛場面，其大膽與震撼程度，超過了李安的《色戒》。性愛本來就是愛情的一部份，導演對性愛場面的處理，大膽得令人瞠目結舌，兩個女人對性愛的渴求與激烈，跟Adèle與初戀男友的初試雲雨情作了一個十分明顯的對比。首先，Adèle對Emma一見鍾情，即使她們並不認識，即使當時Adèle已有男友，但她不由自主地將幻想藍髮女子作自慰對象，其性向已開始露出倪端。後來，她為了確定自己的性向，毅然跟男友做愛，可是得不到應有的魚水之歡，感到悶悶不樂。之後三場跟Emma的做愛，卻令Adèle享受到前所未有之歡愉，兩人也如魚得水。導演更刻意將該場戲，拍得迫真，大膽露骨，合共更長達15分鐘，這種處理手法，使Adèle與Emma的感情基礎更為穩定，更為銘心刻骨，也為Adèle後來一個人的時候，對Emma如此念念不忘有了更合理的解釋。

另一個較受爭議之處，就是電影對同性戀的取態，並無十分明確的立場，表面上《接》片是同志電影，但在同性婚姻已合法化的法國裡，電影觀點卻是偏向保守，這可從Adèle與Emma對戀情公開程度看得出來。Emma一開始已是女同志，她的家人與朋友都十分清楚；反而是主角Adèle，取態十分曖昧，她帶Emma回家見父母，只訛稱是指導哲學科的補習老師，可見Adèle不敢對父母坦白。另一幕，Adèle的同學們有恐同症，她們見到Adèle與Emma一起，便不屑起來，甚至交惡，可見主流社會並未完全接受同性戀。就算有一場戲，講及Adèle與Emma參與同性平權遊行，都是點到即止，並未作深入探討。

電影以藍色作主題，並不限於Emma的一頭藍髮及藍色牛仔衣著，若細心留意，全片充滿很多藍色主調，室內佈置、人物衣著、日用物品都有藍色，就連Adèle在大海浮臥，陽光反射下，海水也是一片藍色。當兩人感情變淡後，藍色也漸漸淡出，連Emma也藍髮還原。到電影結尾，Adèle以一身深海藍連身裙，來祝賀舊愛的畫展，這個孤獨的藍色，與電影開首的藍色吸引力，形成色調上的對比。

《接近無限溫暖的藍》是風格之作，沒有大時代背景，講的是大城市裡的小人物故事，卻又有具爭議性。電影長達三個小時，未免太長了，真考驗觀眾耐性，但換另一個角度看，慢吞吞的節奏，讓愛情慢慢發芽，帶出了細水長流的動人效果。電影改篇漫畫，法文原名是《Adèle的半生：第一、二章》，故事似乎未完，電影結尾提及到紐約，看來會是第三、四章的預示吧。

幻想無謂，行動實際 - 《發夢王大歷險》

人人都愛發白日夢，每天營營役役地工作、生活，腦袋裡卻幻想著有非凡成就、過另一種生活。然而，白日做夢適可而止，若像Walter Mitty般，無時無刻都在幻想著，將現實與幻想頻密地交替著，那真會嚴重干擾自己生活，甚至患上如同妄想症之類的精神病。

賓史迪拿（Ben Stiller）自導自演的《發夢王大歷險》（The Secret Life of Walter Mitty）改篇自美國作家James Thurber於1939年創作的同名短篇小說，原著主人翁Walter Mitty是一名懼內的已婚男人，幻想著自己是海軍中校、外科醫生、神槍手、空軍上校。《發夢王大歷險》只借用愛發白日夢的Walter Mitty，全新創作與原著不同的故事。劇情說Walter Mitty喜歡一個女同事，但沒信心跟她攀談，時常幻想著一些英雄救美的非凡事情。Walter在《Life》雜誌擔任底片管理經理，一直盡忠職守，工作16年以來從未丟失底片，可是好景不常，雜誌被財團收購，面臨裁員，Walter也難逃厄運。當準備最後一期《Life》的時候，Walter發現雜誌合約攝影師指定的菲林底片遺失了，他懷疑攝影師忘記寄來雜誌社。可是，攝影師行跡飄忽，又沒有聯絡方法，Walter基於工作責任感，以及想幹一件非凡、值得一提的事情，決定坐言起行，飛往格陵蘭與冰島尋找攝影師，最後在阿富汗找到他。攝影師告訴Walter，雜誌封面底片，竟然在....（這裡不便透露了，讀者自己看看吧）。

雖然《發夢王大歷險》跟原著小說一樣，都是藉Walter Mitty來諷刺時常發白日夢的人，但在故事內容方面，小說與電影截然不同，前者的Walter沒有出息，又怕老婆，只會發白日夢來逃避現實；後者的Walter，原與小說主角並無分別，他是平凡小職員，不敢對心儀女同事示愛，名副其實一名宅男，又經常「遊魂」，但他對工作的熱誠與責任感，促使他決定出外闖蕩一番。賓史迪拿一向擅演小人物，《發》片也不例外，今次的演繹與過往誇張惹笑不同，還將Walter Mitty提升到令人尊敬的層次，惹人好感。

《The Secret Life of Walter Mitty》於1939年面世，1947年首度拍成電影，由Danny Kaye主演，隔了66年，才再次被賓史迪拿翻拍。與Danny Kaye一樣，賓的角色都是任職雜誌社，但劇情已不同。其實，賓史迪拿只是借Walter Mitty發白日夢的特色，來全新創作故事，好在注重生活實感，不會與時代脫節。電影一開場，便是網上交友，這是近十年來大行其道的網上社交方式。不過，男主角的弱點是適應不到社會節奏，他還在使用V仔電話，連他的工作竟然是菲林底片管理，菲林不是早已淘汰嗎？同一間雜誌社，女同事已使用電腦及智能手機，這個科技上的落差顯得賓史迪拿相當古板老土。這還不止，神秘攝影師的相機，竟然是F3！（電影刻意刪了牌子，但熟知相機的朋友都知道是哪一個品牌。）若有留意時事的朋友，都知道冰島火山於2010年爆發，當時癱瘓歐洲航空交通，電影描述這件大事，進一步凸顯男主角的老土，與時代是如何格格不入。不過，就算老土，都有厲害的一面，原來賓史迪拿是滑板高手，他在冰島便大展身手，路上滑翔那一場戲便十分好看。電影所謂「歷險」，其實很普通，格陵蘭與冰島之歷險不算艱難，反而阿富汗及喜瑪拉雅山之歷險，便不是人人都應付得到。

賓史迪拿今次演出，多了平實感覺，他將暗戀女同事的心態，拿捏得恰到好處，跟以往誇張演繹手法大為不同。飾演攝影師Sean O'Connell的辛潘（Sean Penn）佔戲較少，出場只得十多分鐘，但卻在全劇有重要作用，男主角進行大歷險全因他。辛潘渾身是戲，對白也很精警，當他在喜瑪拉雅山山脊靜待野生花豹的出現，準備拍攝出色的生態照片，但目標出現後，辛潘卻停止獵攝，反而用眼睛去看，去感受，而不是透過相機鏡頭去「看」。對熟悉攝影的朋友來說，辛潘的行為值得反省，譬如到了他國旅遊時，遇見美景便匆忙舉起照相機拍攝，根本沒有放低相機去欣賞及感受，這局限了我們所看到的世界，視野也狹窄了。

其他演員未見突出，女主角姬絲汀慧（Kristen Wiig）平平無奇，與男主角的感情交流僅限片面，不夠深入。奧斯卡影后莎莉麥蓮（Shirley Maclaine）飾演男主角慈母，佔戲不多，比較搶鏡是她焗製的香橙蛋糕，到了喜瑪拉雅山，全靠這蛋糕才通行無阻。Kathryn Hahn扮演男主角姊姊，則生動鬼馬。Adam Scott飾演收購老闆，衰得賤格，賓史迪拿在升降機內跟他大打出手，便大快人心，我們打工仔，誰沒有受過上司的欺負？賓史迪拿替我們出氣了。

《發夢王大歷險》對我們每一個人有共鳴，因為我們都會發白日夢，每當現實生活不如意，或者不能成事的時候，那些不切實際的「夢想」便一一實踐了。幻想歸幻想，現實總要面對，《發夢王大歷險》題旨最可取之處，就是鼓勵人們與其作無謂白日夢，倒不如積極行動，坐言起行，實踐夢想與目標。

重拾聖誕的真諦 - 《狄更斯的快樂聖誕》音樂劇

英國大文豪狄更斯的聖誕名著《Christmas Carol》（港譯：聖誕述異），在1843年出版時，引起極大迴響，至今依然是膾炙人口的聖誕故事之一。

由香港劇團Theatre Noir製作的《狄更斯的快樂聖誕》 音樂劇（A Charles Dickens Christmas Musical），便趁著聖誕節，假座元朗劇院上演，是今年聖誕節的應景之作。劇情講述查理士．狄更斯答應了出版商編寫聖誕故事，可是到了交稿限期，他依然寫不出感人肺腑的聖誕故事。後來，他取材於自己悲慘童年經歷，他將父母因債入獄、遭女友嫌棄等往事，一一寫進故事內，可是，整個故事依然沒有任何聖誕氣氛。這時候，奇妙事發生了，故事內的前女友，竟然現身出現，還引導狄更斯回視自己的過去，重新發現聖誕節的意義與真諦，最後寫成了聖誕故事。

雖然《狄更斯的快樂聖誕》沒有說明狄更斯創作了甚麼聖誕故事，但我們都知道，是指流傳百世的經典《聖誕述異》。這個音樂劇，就是借狄更斯的《聖誕述異》創作過程而改篇，帶出聖誕節的真正意義，就是傳揚關愛與快樂。

橋段雖然老土，但小說人物跳出紙張的一幕其實可以改篇得好玩，不一定要搞笑才成功，可惜捉到鹿不識脫角，這一幕戲未能好好加以發展。小說女子點醒狄更斯，解開了他的心結，令他深深明白父親對他的愛護，重拾聖誕節的真諦，這一幕轉折得相當薄弱，未能達到感動人心的效果，甚為可惜。

岑偉宗的劇本，有不少地方改編自狄更斯的成長背景，例如父母親因債務問題而入獄，後來又因一筆遺產而令家庭經濟狀好轉，這都是狄更斯真實經歷。當時的英國是維多利亞女皇的國盛時期，亦正值工業革命，社會卻貧富懸殊，到處都出現不公義現象。那時候的狄更斯，飽受屈辱艱苦，看盡人情冷暖，因此，他的作品對當時社會作出了轍底的批判與控訴，為基層小人物發聲，懲惡揚善。

《狄更斯的快樂聖誕》的演員眾多，唱與演均出色，只是男主角朱栢謙飾演狄更斯未見突出，其他演員都是一人分飾多角，難以令人留下深刻印象。舞台設計頗見心思，將舊倫敦街外與室內的佈景放置在旋轉舞台，在每一幕之間靈活更替。演員服裝與造型也符合英國十九世紀的特色，無論伸士、淑女、上層、小販、平民都恰如其分。

整體而言，《狄更斯的快樂聖誕》不會沉悶，但未覺精彩，亦難有感動。不過，這齣音樂劇卻好看過Theatre Noir上一齣《聰鳴蜜語》。

天外求生歷險記 - 《引力邊緣》

太空往往給人類帶來很多美好幻想與憧憬，富人更不惜一擲千金參加太空旅行，為的就是一睹宇宙的神秘。中國太空人的升空創舉，也給中國人感到自豪，燃發青年人升空夢的熱火。然而，浩瀚的宇宙，撇除外星生物的虛構假設，是否真的如斯美麗？人類在無重狀態下是否會感到自由？《引力邊緣》的故事，不止破壞了人類對宇宙的浪漫想像，也反思自己在孤立無援之下，如何在逆境堅持生存下去。

《引力邊緣》（Gravity）可以說《少年Pi奇幻飄流》的太空版，環境的惡劣程度甚至有過之而無不及。劇情不複雜，講述美國太空穿梭機「探索者號」在太空執行任務期間，俄羅斯發射導彈擊毀自己的人造衛星，爆炸後的碎片衝向穿梭機，釀成災難。僥倖生還的Stone博士（Sandra Bullock飾演）及Kowalski隊長（George Clooney飾演），與候斯頓航天中心失去聯繫，他們決定利用攜帶的推進器前往附近的國際太空站。抵達後，兩人在無重狀態下發生碰撞，被飄出外太空，幸Stone腳部被太空站繩索纏住，Kowalski的推進器的燃料已用光，他明白到，若兩人在一起，勢必再被飄出，他毅然脫掉繩索，寧可犧牲自己，也要讓Stone能進入太空站。她十分傷心，難過地望著Kowalski遠去，她明白對方捨身成仁，救了自己。Stone收拾心情，進入太空站，卻發生火警意外。她立即啓動太空船逃離，打算前往前方的中國天宮太空站，卻再遇上厄運，太空船沒有燃料。進退不得之下，Stone打算釋放二氧化碳自盡，卻在迷糊中想起Kowalski的教導，決定啓動降落程序，以此推進太空船前往天宮。這時候，天宮又被太空碎片撞擊偏離航道，Stone趕快打開艙門，以滅火筒作推進器，進入天宮。剛好天宮已進入大氣層，Stone啟動回航程序，最終降落在地球一處渺無人煙的湖泊中。

太空電影一向離不開天馬行空與異形侵略，《引力邊緣》雖然也是太空科幻，卻難得地著重實感，在太空競賽的今天，《引力邊緣》的情節相信距離不遠。人類上太空，的確是人類及科學發展史上最偉大的創舉，但人類對宇宙所知有限，只能逐少逐少發掘所未知的領域。人類若沒有科技幫助，身在浩瀚又神秘的宇宙，肯定是死路一條，女主角Stone博士的遭遇便道出了人類就算有上天的本事，生命卻脆弱渺少，往往在彈指之間，隨時消失。當太空穿梭機遭擊毀、國際太空站沒有燃料，這時候，Stone完全感到無助，徬徨地在太空飄浮，以為有一線生機，瞬間便感到絕望，那種大起大落的情緒起伏，正是我們人生常見的起跌，有順境，也有逆境。Stone不是智勇雙全的女英雄，然而卻能臨危不亂，在絕境之中，冷靜地環視身邊環境，作出下一步的決定，憑著強烈的求生意志，最終都能順利回家。我們的人生，常會面對如此嚴峻的逆境，往往需要清晰的頭腦與智慧，才曉得如何去作出下一個決定，最終達到克服困難的目的。

太空已變成軍事競賽、國家較量的「戰場」，地球四周也越來越多人造衛星，除了民用功能之外，更多是監控用途，因此當這些機器失效後，擁有國不會升空收回，反而發射火箭擊毀，以防別國刺探技術。《引力邊緣》所描繪的災難，正是俄羅斯發射火箭擊毀自己的衛星所引致。這些太空垃圾全是人類所造成的惡果，不難想像，未來的天空危機四伏，在外星人與彗星隕石還未對地球造成威脅的時候，地球人已將自己家園四周弄得烏煙瘴氣，我們人類真要自我反省，追上科技發展的同時，是否對環境造成傷害。

美國、俄羅斯、中國這三個當今世界大國，在《引力邊緣》中有很隱晦的政治意味，太空穿梭機的慘劇由俄羅斯發射導彈擊毀自家衛星所產生的碎片衝擊所導致，生還者Stone向國際太空站求救不成功，最終都要靠中國太空站才能返回地球。這好像在說，俄羅斯引發了事件，牽動了美國，向聯合國（國際太空站）求救不成，最終要靠中國協助（美債？），頗有諷刺性的自嘲意味。

《引力邊緣》的劇情，是否不合情理，大可不必深究，以整體故事發展鋪排，其實達到了緊張逼人的驚險感覺。電影的特技效果更是一流，開首一段長鏡頭，以及Sandra Bullock被衛星碎片的衝力，推出外太空，不由自主地旋轉的一段長鏡頭，我們明知是假，明知是特技，但卻找不出破綻，荷李活的電影特技已是登峰造極。導演Alfonso Cuarón在電影處理上，沒有任何花巧，有實感很強的驚險張力，一波接一波，與官能刺激完全不同。某些場面亦顯見導演的心思，Sandra Bullock進入國際太空站後，脫掉太空衣，在無氧狀態下，擺出了仿似母親肚裡嬰兒的姿勢，跟著伸展起來，展現美好身段，呈現重生的感覺。

Sandra Bullock主演的電影大多是傻大姐，但她在《引力邊緣》的演出令我對她另眼相看。她對太空科研工作的堅持，到發生意外的惶恐，對George Clooney捨身成仁的傷感，發現國際太空站沒有燃料的無奈，對自盡的坦然釋放，回航時的勇氣表現，都使Sandra Bullock的演技有出色的表現。George Clooney雖然佔戲很少，又是配角，但在整個故事卻是十分重要，他的演出亦十分淡定自然。

毫無疑問，《引力邊緣》是出色的電影，但更重要的是，太空垃圾的問題值得大家關注，若國家毫不節制人造衛生的發射，有朝一天，太空危機四伏，由天上掉下來的廢物也會增多，到時候，真的是「天降橫禍」。

香港真的處於悲慘境況嗎？ - 《東宮西宮10悲慘世界香港》

回歸後，香港政治風起雲湧，尤其是爭取全民普選更荊棘滿途，到今時今日還只是起步點，未完全看到清晰路線圖，政治喜劇《東宮西宮10悲慘世界香港》便以「普選」為主題，道出了香港複雜難辨的政治現實。

《東宮西宮10悲慘世界香港》沒有劇情，由十多幕短劇綜合而成。說是短劇，又不算短劇，反而似《歡樂今宵》的胡鬧搞笑，又大唱改了歌詞的金曲，藉以諷刺時弊，當中不乏抵死笑料，然而笑聲過後，觀眾開心過後，香港始終未有普選，依然前路茫茫，未免感到唏噓。

胡恩威導演及編劇、進念‧二十面體製作的《東宮西宮》系列，誕生剛好十年，過去《東宮西宮》都「食住」當年炒得熱辣的政治話題，大開玩笑。今次《東宮西宮10悲慘世界香港》便拿普選與佔中的熱門議題來大做文章，抵死惹笑，好不過癮。其中有兩幕短劇最值得注意，第一個是「六重奏」，分析《東宮西宮》誕生的十年之間，香港民生與政治的變遷。我們發現，人均收入增幅並不顯著，樓宇呎價卻火速飈升，而電視劇集口味竟然未曾改變！（十年前收視第一是《衝上雲霄》，十年後依然是《衝上雲霄》）

第二個短劇是「蘇師傅」與「麥師傅」拆解政府總部的風水格局，他們的妙論十分抵死。其他的短劇都是翻唱金曲為主，改編得最多是陳百強初出道那時期的歌曲，重新填詞來諷刺時弊。

今輯《東宮西宮》主題為「悲慘世界香港」，究竟香港有幾悲慘？縱觀全劇，其實我看不出香港現在究竟有幾悲慘，雖然沒有全民普選的香港，不公義的事情顯然增多，各方面的社會怨氣亦不斷積累，但香港似乎還未咁悲慘喎。《東宮西宮10悲慘世界香港》不斷重複「做隻貓，做隻狗」，暗示香港人是貓狗不如，未免誇張了點。

無論香港是否真的「悲慘」，我覺得香港還未完全絕望，都是那句話，我們不要輕言放棄，要繼續爭取「雙普選」。

《聰鳴蜜語》宣揚聾健共融

健聽人士如何放下成見，與聽障人士與共融起來，一直以來都是不易改善的深層次問題。音樂劇《聰鳴蜜語》並無提出很深入的改善方法，但作為給普通市民看的音樂劇，卻能帶出了聽障人士日常生活所面對的困難與歧視，有助市民了解多些。

由香港聾人福利促進會與Theatre Noir聯合製作的《聰鳴蜜語》（Love in Silence），繼2012年9月演出大獲好評後，再次於2013年10月上演，座無虛席，全場掌聲不斷。今次重演《聰鳴蜜語》的劇情與首演不同，人物與故事也重新創作。劇情講述文聰有一個聽障妹妹而不開心，他不懂如何跟她相處，感到這個世界「不正常」，因而選擇離家出走逃避。在郊外，星夜燦爛，他讚嘆之際，竟吸引到一班不發聲的精靈，文聰很害怕，原來他無意中進入了「無聲之城」。此時精靈公主出現，送他三道門，幫他實現三個願望。文聰在這三道門的背後，遇到三個聽障人士：一個渴望組織家庭但被質疑照顧BB能力的爸爸；一個努力工作卻遭受歧視的工廠青年；一個渴望結識朋友但不知怎樣開始的少女。這三個聽障人士因為聽覺缺陷，造成了生活上的不便與困難，亦飽受歧視，文聰有見及此，使用精靈公主給他的三個願望，助他們解決困難。不過，幫過人後的文聰，依然感到不高興，原來他的親妹因發燒而導致聽障，作為哥哥的文聰接受不了事實，才會感到這個世界「不正常」。

《聰鳴蜜語》將聽障人士日常在生活、工作、學習、社交上所遇到的困難，透過話劇形式，淺白地告訴觀眾，在投入話劇歡樂之同時，亦有助了解聽障人士需要的是甚麼，如何幫助他們。「聾健共融」是社會大趨勢，也是《聰鳴蜜語》的中心思想。關於聽障人士的種種，要全部濃縮在僅得75分鐘的音樂劇裡是很困難的，《聰鳴蜜語》的聰明之處，就是避免流於說教，在載歌載舞的包裝下，觀眾更易接受，至少不會因過分「hard sell」而產生負面反應。

《聰鳴蜜語》的劇情其實很老土，透過三道願望門（也即三個不同故事）的串連，來支撐整齣戲劇，這個故事結構在影視上屢見不鮮，美國暢銷書《在天堂遇見的五個人》便是這類故事。《聰鳴蜜語》雖然有豐富歌舞，又有手語歌表演，演員們也很落力演出，然而三道願望門的故事卻略嫌沉悶，氣氛平平，反而結尾廖啟智客串出場的一幕是全劇感動位。這一幕講述文聰回家，聽到父母安慰聽障女兒，得悉妹妹原來很想親近哥哥，但文聰卻接受不了妹妹聽障的現實，還因此疏遠她。經過三道願望門的經歷後，文聰省悟，深感後悔，重新接納妹妹。羅鈞滿、廖啓智、吳麗英、程冬瑤這一家人，有可喜的演出，沒有演戲的感覺，流露出平常人家的溫馨。

毫無疑問，《聰鳴蜜語》是誠意之作，參演的演員並不是專業演員，他們全是健聽與聽障義工，部分還是第一次參與。他們經過近五個月的密集排練，即使在台上表現有些生硬，但他們卻完全克服了自己，勇敢地踏上舞台，牢記台詞與走位，隨著音樂起舞，手起手落演繹手語歌，這才是令人動容的表演，他們的努力完全沒有白廢的。

為理想去到盡 - 《狂舞派》

若非電影贏盡口碑，我未必入場看《狂舞派》，電影果然名不虛傳，難得地拍出了港產片近年少見的青春，同時充滿了鼓舞與活力，值得捧場。

一向覺得港產片的青春比較造作，往往要靠有知名度的年青偶像派歌手或演員擔綱演出，有時候他們已近30歲，但卻要扮少年十五二十時，難免超齡了，而且，港產青春片題材狹窄，不是古惑仔，便是低俗劇。反而，台灣的青春片勝在親切，像《那些年，我們一起追的女孩！》，全片主角都很青春，除了陳妍希超齡，幸好她當時知名度不高，樣貌清純年輕，完全沒有造作之感，難怪《那》片深受香港觀眾歡迎，成為香港最賣座的華語片，對香港製片人來說，無疑打了一巴，大不是味兒。

《狂舞派》（The Way We Dance）講述女主角阿花（顏卓靈飾演）擁有街舞Hip Hop的天份，獲大學取錄後，便加入跳舞隊BombA，她在一次校園表演憑著出色的舞蹈使她贏得「超新星」的美譽，更吸引了三個男人的注意，分別是BombA靚仔隊長Dave（楊樂文飾）、太極學會會長柒良（蔡瀚億飾）、Rooftoppers隊長Stormy（Tommy Guns飾）。為了準備舞林大會，BombA研究新舞招，阿花示範了仿似蟹步的新舞式，惹來情敵Rebecca（范穎兒飾）與隊友嘲笑，憤而離隊。太極柒良邀請她加入太極學會，阿花本對這個扮相騎呢的會長毫無好感，但相處之後便發現他樂於助人，深得長者街坊歡迎，因此漸漸愛上他，也獲他傳授太極拳，從中獲得啟發，將拳招融入Hip Hop內，成為新舞招。BombA面臨解散，Dave勸服阿花歸隊，阿良呷醋，意外弄傷阿花右腳。阿花為自己不能跳舞而意志深沉，這時候，Stormy現身，問她「So how far are you willing to go for dance ?」，阿花省悟，決定重新振作，在舞林比賽迎戰勁敵Rooftoppers。

《狂舞派》故事本身比較公式化，荷李活早已有大量這類跳舞題材，拍得濫了，反而港產電影鮮見同類題材，而且香港觀眾往往媚外（包括我在內），因此《狂舞派》初初上映缺乏支持。但是，導演兼編劇黃修平誠意可嘉，確實拍出了港產片近年難得一見的青春活力，全片散發出久違了的澎湃熱情，感染著觀眾熱血沸騰，細胞也因強勁節拍而舞動起來。於是，口碑廣傳，票房已證明了《狂舞派》的成功。

年青人有本錢去追求夢想，只要肯努力過，付出過，無論成功與失敗，也對得起自己。近年有不少電影都以追夢為題，美國片有《勝利人生》，台灣片有《逆光飛翔》，這兩齣電影與《狂舞派》都有不少共通之處，跌倒了也要懂得站起來，這才是最重要，電影之所以令人感動，就是有此激勵人心的正面作用。阿花斷了腳，以為跳舞事業從此斷送，Stormy一句「為了跳舞，你可以去到幾盡？」的說話，不但有驚醒阿花的鼓勵作用，也在觀眾頭上敲了一下，我們不妨反思自己在追求人生目標上，去到幾盡？這個電影金句，已不斷在我的耳際迥響。

飾演Stormy的Tommy Guns，本身真是傷殘人士，失去右腿，但殘而不廢，他鼓勵阿花的時候，不惜當面脫掉義肢，那場戲真的很震撼。沒有了一腿，依然可以靈活跳舞；我們失去了聽覺，根本無資格自怨自艾，之所以覺得人生失敗，是因為我們還未去盡。殘而不廢，Stormy給大家作出了很好的示範，對受到挫折的朋友，是一個絕佳的勉勵。

街舞與太極，是風馬牛不相及的兩種運動，一個超快，一個超慢，一個新潮，一個傳統，黃修平將兩者融合，不倫不類，不及周星馳將少林功夫與足球兩種運動結合得豐富好玩。話雖如此，將太極融入街舞運動，無疑是大膽嘗試，創意又有趣，而且黃修平將電影處理得動感十足，充滿武俠化，Rooftoppers成員在工廠天台走廊穿梭翻騰，便十分凌厲，也很好看。

演員方面，顏卓靈及蔡翰億比較突出，演技自然，惹人好感。楊樂文與范穎兒則稍遜，但都有型漂亮。Tommy Guns很冷酷，又中又英的對白，使他更添神秘感。助陣的演員不少，最突出是黃貫中，今次放下了Rock友形象，扮演精通太極拳的懲教人員，一新耳目。比較意外是葉蘊儀的客串，當年是美少女，如今卻是肥師奶，女主角的媽媽，變化真大。

《狂舞派》是誠意之作，活現了永不言敗的香港精神，導演為了這齣電影，完全去到好盡，拍出了難得一見的青春活力，起碼讓我們知道，香港電影不是只有低俗、臥底、警匪、功夫等片種。

中大50周年校慶紀念作 - 《教授》

香港中文大學50周年校慶話劇《教授》，難得地不落俗套，強調大學生應有多方面思考，同時也關注大學教育產業化的問題，讓觀眾對本港教育制度有一個很好的反思。

《教授》（The Professor）講述Lucretia在高級程度會考失分，未能入讀心儀的BBA，改而求其次選修哲學。為了爭取高分GPA，約見教授追究論文功課只得B+的原因。在大學裡，Lucretia認識了法律系二年級的Jeremy，他帶她參觀教授的思辯教室，看見辯論隊員雄辯滔滔，正反雙方的思辨方式，令她獲得啓發。有一天，Jeremy涉嫌參與社運被捕，Jeremy母親與教授雖是兩姊弟，但卻在Jeremy惹上官非一事產生嚴重分歧，母親認為Jeremy應該指證同伴脫身，但教授則認為不應違背公義，令Jeremy陷於兩難，也使教授一向致力培養學生思辨能力的教學方法備受質疑。

陳焯威導演、莊梅岩編劇的《教授》，中大色彩十分濃厚，皆因這兩位幕後都是中大人，連舞台設計與人物角色，都滲透出濃厚的中大味道。作為50周年校慶的紀念作，《教授》沒有老套地重溫錢穆、牟宗三與唐君毅當代儒者創校的辛酸往事，亦沒有像電影《玻璃之城》般講述港大火紅年代，反而借近年學運社運屢遭警方打擊與拘捕的社會議題，帶出兩個不同的思辨方式，形成兩個對壘陣營，一方要維護社會公義，另一方則傾向建制秩序，導致兩方觀點產生矛盾與衝突，劇中教授與Jeremy媽媽就是衝突兩方的代表人物。

《教授》另一特色是借大學辯論來調刺當今大學教育制度的弊端，大學原本是培育學生有獨立思考的好地方，可是近年來大學教育產業化，每個莘莘學子爭相選報熱門科目，為的是有利於將來就業，就像Lucretia選擇BBA的目的，因此，大學已漸漸變質成為職業訓練場。今年，大學還多了一個憂慮，就是大學中學化，大學生還有無獨立批判性思考的心理質素，頓成疑問。

《教授》以大學教育作主題是近年少見，更難得的這是香港原創話劇，莊梅岩不愧是出色的編劇，將多幕大學戲處理得毫不沉悶，教育制度與批判思考本來深奧難明，但經過編劇精簡之後，變得淺白易懂，趣味盎然。大學辯論隊辯論專上教育制度的一場戲很精彩，正反兩方各自提出論點反辯，編劇借此機會對當今教育制度的窘境作出反諷與控訴，讓觀眾了解，辯論戲劇化好看過時事辯論，起碼不會那麼乏味。

演員方面，四位主角演技出色，台柱潘燦良不用多說，教授一角似為他度身訂造，他的出現是全劇一大亮點。飾演Lucretia與Jeremy的兩位新人郭靜雯、歐陽駿入行日子尚短，但毫不怯場，惹人好感。至於陳煦莉，將惡媽媽演得入木三分，只是她年紀並不老，扮媽媽其實未夠「資格」，若由羅冠蘭飾演會更好。

公民抗命是香港近年燙手山芋，人人都在討論社會核心價值，這需要有獨立的批判性思考，來維護社會公義，否則，我們的城市會慢慢變成「應聲蟲」社會，若最終連我們的自由也逐塊逐塊被噬去，到時大家悔之已晚了。

嘮嘮叨叨的夫妻戲 - 《情約半生》

《Before》系列第三部《情約半生》（Before Midnight）終於開畫，為期待已久的忠實影迷帶來久旱逢甘露的慰藉。

《情約半生》是《情留半天》和《 日落巴黎》的延續篇，難得的是電影鐵三角：導演Richard Linklater、男主角Ethan Hawke、女主角Julie Delpy，從1995年《Before》系列首部《情留半天》開始，每隔九年便聚首一堂，到《情約半生》已差不多二十年了。觀眾看著男女主角由二十多歲的金童玉女，到三十歲的壯年，到四十歲的中年，就像與朋友一同成長，格外親切。

《情約半生》劇情很簡單，Jesse與Celine邂逅多年，終於成為夫婦。電影主要講述兩夫婦在希臘度假的一天生活，包括上午陪同兒子到機場返回芝加哥、中午在朋友家聚餐、下午在鄉間散步、晚上在酒店留宿，然而，夫婦卻無端吵起架來，兩人各持己見，互不讓步，一發不可收拾。在瀕臨分手邊緣的時候，Jesse主動與Celine和好，化解了一場婚姻危機。

《情約半生》的特色，就是簡單，幾乎沒有劇情，全靠男女主角之間的冗長對話來串連全劇，感覺上較似偷窺別人夫婦談話一般。對白內容東拉西扯，都是圍繞著夫妻間生活上的瑣碎事情，但卻從兩人對話中，將兩性關係的分歧與矛盾凸顯出來。就算Jesse與Celine兩人對生活上觀點與看法存有分歧，其實都很正常，可以包容與接納，平心靜氣討論。可是，他們兩人似乎忘記了「男人來自火星，女人來自金星」的定律，在酒店親熱時，卻因為女方接聽電話，惹起男方不滿，反脣相譏，令女方大為光火，大怒離開，這一段火花成為了全片中的高潮。

《Before》系列奠下了愛情電影的經典，這對美國男與法國女互生情愫，觀眾早已認定兩人是天生一對，卻因未能一起而感到難過與可惜。到了《情約半生》，Jesse與Celine經過前兩集的兜兜轉轉之後，終於有情人終成眷屬，還以為他們「從此幸福美滿，快樂一起」，但兩人卻在溝通過程之中，出現不少磨擦，甚至有中年危機，他們外表早已不是昔日金童玉女，男的不修邊幅，女的身型發福，完全沒有多餘「快樂美滿結局」的浪漫遐想。

在鄉間散步的時候，Celine問丈夫若是現在此刻才相識，他還會看得上她嗎？由此可見人到中年後，對外表愈顯重視，也比較在意老態的漸漸呈現。兩人在婚姻上，也似乎有信心危機，他們曾談論往後50多年還能否一起，甚至在育兒、工作、居住的問題上產生齟齬，這些段落都十分現實，打破了有情人終成眷屬之後必會白頭到老的浪漫傳統，給觀眾帶來兩性關係上的一個重要反思。在朋友聚餐的一場戲，有老中青三代人，大家互相談論各自生活態度，以及與愛人相處心得，就像總括了男女主角過去、現在、將來的情路發展。

李察連利加導演兼編劇的《情約半天》，其實比較適合以話劇形式演出，因為電影在一天之內如此絮叨不休地說話，甚至是超過十多分鐘長鏡直落地說話，真正考驗觀眾耐性。幸好伊芬鶴基與茱麗蝶兒演出十分自然，兩人溝通就好像平常談話一般，沒有劇本照讀的感覺，角色也像度身訂造，完全演回自己。未知電影會否有下一次九年之約？屆時男女主角已五十歲，是踏入黃昏的更年期。若以今集兩人溝通上的磨擦來推斷，不敢想像下一集兩人關係發展到甚麼地步。

順帶一提，香港中文片名似乎將「情約」兩字用得太濫，別無新意，你還分得出《情約今生》、《情約一天》、《情約半生》嗎？這三片完全沒有關連，但中文名稱卻製造了混淆的錯覺。反而《Before》系列英文原名《Before Sunrise》、《Before Sunset》、《Before Midnight》更簡單直接而富有韻味，如果還有下一集，不知會是Before甚麼呢？

惹笑好玩的無言喜劇 - 《打轉教室》

《打轉教室》（Detention）是課室狂想曲，能勾起觀眾「那些年」的回憶，而且做到生動惹笑，的確十分好玩。

由鄧樹榮戲劇工作室製作的《打轉教室》，是一齣沒有對白的動作喜劇，全劇長70分鐘，卻幾乎笑足70分鐘。劇情講述一間中學課室，女教師懲罰三男一女學生抄寫1000次「我要做個好學生！」，期間女教師不斷傾談私人電話，還時常溜出課室「蛇王」。這班學生趁女教師不在，便乘機作反，三個男同學為了一個漂亮女同學，互鬥一番，然而他們並沒有大打出手，只是點到即止、無傷大雅地互相作弄，以博得佳人芳心。老師不時靜俏俏地返回課室，見到學生們作反，大發雷霆，加倍罰抄，學生只得忍氣吞聲承受。這四位學生終按捺不住，「同仇敵愾」跟惡女教師鬥法，幸好最後彼此握手言和，雙方和氣收場。

《打轉教室》最過癮之處，就是將課室搗蛋的場面呈現出來，這些都是你和我「那些年」的回憶。現實中，頑皮學生作反程度，雖沒有戲劇誇張，卻有過之而無不及。不止這樣，在場的小朋友也看得嘻哈大笑，興奮跳躍，顯然他們現在讀書就是這樣子反斗，劇如鏡子，就像看回自己「所作所為」，自然深得共鳴。

第四度在香港重演的《打轉教室》，面世才不過一年半載，已在國際上打出名堂，叫好叫座。因戲劇沒對白，惹笑的動作與淺顯的劇情，無論在香港還是國際，大人抑或小孩，都看得明白。這齣本地原創的無言戲劇，綜合了體操、舞蹈、敲擊、音樂、表情，可說別開生面，演員喜劇細胞活躍，一舉一動無不笑破觀眾肚皮。

今次重演的《打轉教室》，共分三個劇組，我觀看的一場是B組。五位演員中，我覺得最搶鏡是肥仔鄭鎮彤，開首配著《功夫熊貓》音樂，大耍熊貓阿寶功夫舞，似模似樣，就連大肚腩身型都似足阿寶，真係好好笑。飾演四眼仔學生的曹德寶的體操身手出色，一連串高難度動作，換來熱烈掌聲。相比之下，黃浩邦的時代舞與陳敏珺的水袖舞，便遜色了。扮演女教師的何健汶亦有大展身手的機會，然而身型纖瘦，表情樣板化，一味靠惡，有醜化老師之嫌。

《打轉教室》的學生與老師鬥法，讓我想起近期發生一連串社會撕裂事件，教師好比政府，學生就是市民。依照《打轉教室》的劇情來說，政府推行政策，不得民心，市民敢怒不敢言，官逼民反。以現時混亂不穩的政局，會否像《打轉教室》的結局般，雙方握手言和，達到「Win-Win」呢？希望吧，求主賜各人智慧，共同想法解開今天死結，阿們！

信仰與慾望的衝突 - 《非常教慾》

羅馬尼亞電影《非常教慾》十分冷門，靜悄悄上畫，也靜悄悄落畫，然而，這電影在康城影展得到獎項的，叫好不叫座。電影是由一宗發生於2005年的真實事件改編，這宗意外震驚歐洲。當宗教信仰與人性慾望產生衝突的時候，人類應如何解決這矛盾？這個難題，《非常教慾》並無提供答案，似乎註定以悲劇告終。

英文原名叫《群山之外》的《非常教慾》（Beyond the Hills），講述孤兒院長大的一對同性好友 - Alina與Voichita，前者由德國返回羅馬尼亞，探訪在東正教修道院靜修的後者，並嘗試說服對方遠走他方，但Voichita決心當一個修女，事奉上帝。性格固執的Alina，為了與Voichita一起，不惜跟修道院的神父與修女鬥翻，發生衝突。神父認為Alina的失常行為，是由於魔鬼附體，於是施以「酷刑」，綁在十字架上，為她驅魔。誰料Alina竟因此致死，神父等人被警察拘捕，等候法官裁決。

電影看似平平淡淡，卻隱藏著暗湧，Alina的出現，破壞了修道院靜修的氣氛，弄得人心惶惶。電影的重點是對人性的探究，修道院上下，神父與修女都嚴守清規，過著規律刻苦的生活，來平靜自己的心靈，堅定自己的信仰。然而，電影值得談論的是，當信仰受到質疑，信心開始動搖的時候，我們選擇面對，還是逃避？Voichita就是這個處於中間，左右為難的夾心人，一方面童年親密好友的聳動，要她離開修道院；另一方面神父不斷勸告疏遠Alina，不然便威脅逐出修道院。神父與Voichita這兩個角色，分別代表著信仰與慾望，人性對信仰的依靠，以及對慾望的壓抑，往往不能和平共處，因而產生了自相矛盾的衝突，最終悲劇收場。

雖然電影由頭到尾沒有明確指出Alina與Voichita的同性戀關係，但從兩人微妙的友誼關係，明眼人會看得出來。在羅馬尼亞社會裡，同性戀可能是避忌尷尬的敏感議題，因此電影對同性戀人的處理便有些閃縮，不能作出大膽的剖析。兩位女主角若即若離的複雜微妙感情，及彼此在宗教立場上的嚴重分歧，均凸顯了兩人迥然不同的性格 - Alina大膽率直，Voichita害羞文靜，同時也對女性受到壓抑的處境作出了同情。

從場面的調度、色彩的陰沉、氣氛的肅穆、表情的冷漠、對白的精警，處處顯出了導演基里斯汀穆基那種寫實美學的獨特電影手法，在平凡之中顯出不平凡。且看其中兩幕，Alina睡在醫院病床，老醫生來診症，數位鄰床病人紛紛起身「八卦」看醫生診症，情境滑稽荒謬。結尾一幕，警察調查Alina的死因，Voichita脫掉黑色修女袍，改穿故友的棕色鬆身毛衣，神情呆滯地企在中間，對周遭環境不聞不問。由此可見基里斯汀穆基的心思，確是與眾不同。最後一幕更有隱喻性，警察帶神父修女往法院途中，遇上修路，警察說這馬路究竟是完整，還是破壞，聽後發人深省，堪稱神來之筆。

據稱，兩位女主角是首次演戲，飾演Voichita的Cosmina Stratan楚楚可憐，扮演Alina的Cristina Flutur歇斯底里，都為兩人在康城影展獲得最佳女主角的榮譽。整體而言，《非常教慾》是一部看得令人心情沉重的電影，然而，這卻是羅馬尼亞導演基里斯汀穆基的優異之作，從修道院的一連串風波，便看到大導演的深厚功力，駕馭到敏感又具爭議性的話題。